Olio su tela

Realizzato per la sua seconda mostra, rappresenta la natività di Gesù in modo del tutto nuovo e originale. Quando Gesù è nato, tutta la natura si è inchinata come questo albero che fa da capanna al bambino appena nato. Una luce bianchissima dall’interno della capanna, illumina tutto il cielo a larghi raggi arancione e giallo. Il bocciolo di rosa è la Madonna, il giglio San Giuseppe, lo stelo senza corolla è Gesù, ad indicare che la vera vita è stata acquisita da Lui per noi sulla croce, nella Pasqua.

Il colore è corposo e applicato con la pressione del pennello sulla tela per fondere fra loro le varie tonalità e ottenere le sfumature. Questo è visibile soprattutto nel prato, dove il giallo e il verde si innestano nell’arancione dello sfondo. Qui spicca la firma di Giastin, che dall’esterno della capanna sembra contemplare una scena a lei tanto vicina.

Dipinta negli ultimi mesi di vita, questa tela rappresenta l’Eternità, così come Giastin l’aveva immaginata, lasciandosi ispirare dalla foto di un paesaggio del Trentino presente in un libro a lei regalato.
Donata al suo pediatra, il dott. Leonardo Pio De Luca, è stata restituita ai genitori di Giastin dagli eredi subito dopo la morte del padre.

Giastin riconosce nel sole il luogo in cui incontra l’Eterno, ma invita chi guarda il quadro a trovare il luogo di incontro in qualsiasi parte del paesaggio.

E’ qui rappresentato un paesaggio di alta montagna, striato orizzontalmente da nuvole che lo rendono rarefatto e immobile, a tratti indefinito. Un’atmosfera di pace e di attesa silenziosa rapiscono l’attenzione e invitano a scegliere il proprio punto di incontro con l’Eterno. Tutto il paesaggio è azzurro, il colore che Giastin usa per rappresentare la divinità, perché tutto il paesaggio è l’Eterno, il Paradiso.

Questa tela, esposta nel corso della sua seconda mostra del 2003, esprime che, attraverso i suoi dipinti, Giastin potrà volare nelle case di altre persone a portare la gioia che aveva in cuore.
L’alberello soggetto principale di questa tela, rappresenta il corpo di Giastin, curvo e abbattuto a causa della malattia, ma sollevato e redento dalle piaghe di Cristo. L’alberello genera vita con i suoi rami ricoperti di foglie e si solleva verso l’alto come per spiccare il volo. Le curve del tronco non sono un ostacolo: due rami principali si estendono verso il cielo come ali risplendenti della luce dello Spirito Santo.

Qui la sua firma è nel cielo, perché Giastin si sentiva già in cielo, cioè nella vera vita.

Questo è uno dei pochi dipinti in cui non abbiamo la presenza dell’arancione, suo colore preferito. Qui spiccano le tonalità fredde del verde ed in particolare dell’azzurro, che per lei è simbolo della spiritualità.

Questa immagine rispecchia una riflessione di Giastin sulla condizione umana. La natura dell’uomo è fatta di terra e di cielo, e per questa ragione il nostro sguardo deve essere sempre rivolto verso l’alto, altrimenti resteremmo simili ad animali. Nella tela la testa e le braccia della figura tendono verso il cielo sviluppandosi in rami, e la torsione del busto accentua questo movimento.

Il quadro è diviso in due parti ben distinte: a destra l’uomo, nella sua appartenenza alla terra, volge verso la parte sinistra, dove la figura tende verso il cielo. A sinistra, infatti, il rosso e il giallo dello Spirito Santo infiammano d’amore la vita e inglobano in sè l’azzurro della spiritualità che circonda tutta la parte sinistra della figura quasi risucchiandola.

Il corpo è più scuro a sinistra per evidenziare la torsione verso l’alto e dare luce alla parte del viso che si espone alla luce dello Spirito Santo.

Il movimento di torsione induce a pensare che questa divisione fra corporalità e spiritualità non sarà per sempre, perché anche la parte destra sarà inglobata nello Spirito e diverrà tutt’uno con il cielo.

Questa dolcissima e regale immagine di Gesù Bambino sollevato verso il cielo da Maria, induce alla contemplazione di un Amore infinito e spirituale, tanto elevato eppure tanto vicino da scaldare l’anima di chi lo contempla. Gesù è figlio dell’amore di Maria, del “sì” di Maria, che ama tutta l’umanità così come ha amato suo figlio, in quanto egli stesso sulla croce ha consegnata sua madre a tutti gli uomini. La nuvola su cui poggia Maria, rappresenta il cielo, mentre la terra su cui si adagia leggera, rappresenta tutta l’umanità, a ricordare che la divinità è stata posta in terra fra tutti gli uomini.

Giastin sceglie l’azzurro per la Madonna e il Bambino come colore simbolo della divinità. L’arancione del cielo rappresenta lo Spirito Santo, che unisce il giallo e il rosso, cioè la gioia e l’amore. L’immagine ben definita dall’accostamento dei colori complementari blu e arancione e dalle campiture ampie di colore compatto e deciso, rende chiara ed evidente la Verità di Fede che vuol raccontare.
La sua firma è impercettibile, ai piedi di Maria, e si fonde con la nuvola, come se Giastin si sentisse già parte del cielo.

Il 2 Agosto, per la festa del Perdono, Giastin si reca in vacanza ad Assisi con la sua famiglia per una settimana in occasione della rappresentazione del musical “Il saio di Francesco”, scritto da don Ricciotti ed Angelo Gualano e recitato dai ragazzi della parrocchia di San Marco in Lamis.

La sua passione per la bellezza della natura trova piena soddisfazione nei colori e nella dolcezza dei paesaggi umbri. Dal finestrino della macchina osserva i campi e le colline ondulate e rimane colpita dai colori vivaci di un campo di lavanda e di un campo di papaveri. Appena tornata a San Marco in Lamis, dipinge queste due tele ovali per conservare per sempre il ricordo di quei luoghi incantevoli. Fotografa con gli occhi i due paesaggi e li riporta esattamente così com’erano. Essi rispecchiano il desiderio di libertà di Giastin che la portava a spaziare libera con lo sguardo e con la mente fra un campo e l’altro senza separazioni e steccati. La sua è una visione unitaria sul tutto, come se lei stesse volando sul mondo. Attraverso i suoi quadri Giastin desiderava richiamare l’idea del sogno e per questo prediligeva i colori chiari rispetto a quelli scuri, scegliendo l’azzurro per le montagne anziché il marrone o il grigio.

LA LAVANDA

Nella tela “La lavanda”, stesure di colori accesi e contrastanti, che ricordano Van Gogh, pittore che Giastin amava, distinguono nettamente quattro piani: dal marrone della terra all’estremità in basso, si passa al viola luminoso e profondo della lavanda che risalta fortemente grazie all’accostamento con il giallo vivo del campo sovrastante, per terminare con l’azzurro del cielo in cui si fondono le montagne. Il verde scuro della vegetazione fa da trait d’union fra le diverse campiture. Tre tronchi in lontananza, uno più indietro in dissolvenza, due più grandi davanti quasi sullo stesso piano, abitano il campo giallo. Forse rappresentano proprio loro tre, Rosaria un po’ più indietro perché era già volata al cielo, Giastin e Cosimo avanti sulla stessa linea. La sua firma è nel giallo, ovvero nella luce, che è presenza di Dio nel mondo.

I PAPAVERI

Anche “I Papaveri” sono suddivisi da quattro piani di colori brillanti: il verde dell’erba è accostato al rosso dei papaveri e al giallo segue il blu diluito del cielo. Nel campo di papaveri si distingue una casetta, senza finestre nè porte, luogo chiuso in cui lei si riconosce perché appone la sua firma proprio lì, come a voler rimarcare  il suo “essere nel mondo ma non del mondo”.

La famiglia Gravina trascorreva il periodo dell’anno che va dall’autunno alla primavera in casa a San Marco, per evitare che i tre fratelli, Rosaria Giastin e Cosimo, contraessero le normali malattie respiratorie che sui loro corpi malati si trasformavano in patologie molto gravi che avrebbero potuto portarli alla morte. L’estate rappresentava per loro un periodo dell’anno meraviglioso durante il quale poter uscire, stare all’aria aperta e andare al mare. Ogni anno i loro genitori affittavano un appartamento piuttosto grande al mare, di solito a Marina di Lesina,  dove trascorrere le vacanze insieme a tutti gli amici che desideravano unirsi a loro. La gioia e il divertimento erano grandi e questa tela intitolata Infinito, può farci immaginare il senso di libertà e gioia che Giastin e i suoi fratelli provavano nello stare al mare dopo un freddo inverno chiusi in casa.

Il quadro si intitola Infinito perché, quando Giastin era in mare, riusciva a muoversi autonomamente e desiderava così tanto prolungare all’infinito quella sensazione di libertà che le dava il movimento autonomo da  non voler mai terminare il bagno. Bisognava litigare per farla uscire dall’acqua!

In questo quadro primeggia al centro la sua parte umana, che è rappresentata dal mare, dove appone la sua  firma, mentre il sole, che rappresenta Dio, è decentrato, anche se i suoi raggi luminosi fanno risplendere con bagliori chiarissimi, il blu acceso del mare e il nero degli scogli.

Il cielo ha i colori dell’alba che Giastin amava ammirare svegliandosi spesso alle tre del mattino per recarsi sulla spiaggia a vedere il sole sorgere dal mare. E davanti a questa immagine anche noi possiamo ammirarlo attraverso il suo sguardo pieno di amore e di meraviglia.